El creador debuta como guionista en el cine acompañado en la dirección de Javier Ruiz Caldera en una película que compite por la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián
'El otro Chiquito', documental de Movistar Plus+, aborda desde el 'true crime' el surrealista juicio de Chiquito de la Calzada contra su imitador.
La película de los Javis llega al festival de San Sebastián secundada por sus protagonistas y Penélope Cruz, que reivindica que los directores "consiguen que salgas del cine haciéndote las preguntas correctas" 'La bola negra', de los Javis, gana el premio del público del Festival de Toronto y comienza con fuerza su carrera al Oscar “No sé, a mí me dieron un fusil”, es la respuesta que da un joven cuando le preguntan a qué bando de la Guerra Civil pertenece. Él es el soldado Sebastián, en la piel de Guitarricadelafuente . Quien pregunta, Nené, la cupletista a la que da vida Penélope Cruz en La bola negra , la película con la que los Javis ganaron el premio a Mejor Dirección en Cannes. A la actriz le “rompe el corazón” esta frase, al pensar en “cuántas situaciones y conflictos del mundo habrá quienes se hayan sentido y se sientan igual, sin saber muy bien por qué están luchando”. El largometraje, que también acaba de alzarse con el Premio del Público en el Festival de Toronto y representará a España en los Oscar , llega este viernes a las salas españolas tras su paso por el Festival de San Sebastián. El filme cuenta entrelazadas la historia de cuatro jóvenes homosexuales, atravesados por la Guerra Civil, en tres líneas temporales. “Es importante dar espacio a historias así, pero bien, a lo grande, y no intentar al blanquear al colectivo de una manera superficial, añadiéndolos como personajes constantemente secundarios donde no se profundiza sobre la herida. Esta película habla sobre la herida de un colectivo, sobre la realidad de un país”, reivindica Carlos González ( Maricón Perdido , Mariliendre) , uno de los jóvenes protagonistas. Miguel Bernardeau y Guitarricadelafuente, en una escena de 'La bola negra' El intérprete celebra que el filme “abra conversaciones, aunque incomoden”. En este caso, un conflicto bélico que continúa siendo usado como arma arrojadiza a nivel político, pero también en la calle, y no solo en las generaciones que lo vivieron, también en las que nacieron hasta más de medio siglo después de que concluyera. Disparar antes de entender quién eres Miguel Bernardeau ( Querer , Élite) , otro de los actores del largometraje, reconoce que investigar sobre este periodo le sirvió para “reflexionar sobre la guerra, la suerte que tenemos y el momento en el que vivimos”. “Somos muy afortunados”, defiende, “imagina que estalla una guerra en tu país, te obligan a escoger un bando y a matarte con tu vecino, con tu hermano, tu primo, tu tío. Es muy duro”. El intérprete pensó igualmente sobre “los jóvenes que de repente, a día de hoy, hablan de la guerra de una forma nostálgica. Hay algo curioso ahí que creo que hacen desde la ignorancia. Hay valorar un poco más la paz”. En la misma línea se sitúa Álvaro Lafuente (Guitarricadelafuente), cuyo abuelo se vio obligado a vivir una situación parecida a la de su personaje, Sebastián. “Por el pueblo en el que vivía le tocó luchar en el bando nacional. A mí tocó representar algo parecido, a un chaval que sale de su pueblo y le ponen un fusil en las manos”, describe el cantante, que ha debutado como actor a la orden de Javier Ambrossi y Javier Calvo. Guitarricadelafuente, como el soldado Sebastián en 'La bola negra' “Como él habría mucha gente que no se había ni cuestionado cuál era su lugar en el mundo, y de repente se le exige que cumpla unos requisitos de algo que ni siquiera entiende”, lamenta. El actor explica que es “muy bonito representar muchas historias imposibles, y toda la frustración que hubo de no poder, en tiempos de guerra, en los que tu principal objetivo es sobrevivir; cuestionar cuáles son tus deseos ni tus aspiraciones”. Mirar mejor el pasado para cuidar el presente El cuarteto de intérpretes jóvenes lo completa Milo Quifes, el gran descubrimiento de la película, que comparte la valoración con sus compañeros. “Es muy importante que estudiemos, que sepamos de donde venimos, de lo que heredamos y los sacrificios que se han hecho para que nosotros estemos dando voz a lo que estamos dando voz”, defiende. A la vez que insiste en que “no hay que olvidarlo”, opina que esto no debe implicar “quedarse estancado”: “Hay que saber perdonar muchas cosas, porque si no perdonamos, no podemos tirar hacia adelante”. Es importante hacerse cargo de nuestra cultura y herencia para mirar mejor el pasado y cuidar mejor el presente Carlos González — Actor Su compañero Carlos González comparte que se arrepiente mucho de no haber podido conversar con sus abuelos sobre la guerra, o “no haber prestado suficiente atención”. “Hoy en día vamos muy rápido con todo. Todo es una rueda de redes sociales, de contenido más frívolo, y nos perdemos muchas veces en una propia conexión con nuestra propia herencia y cultura”, lamenta, “es importante hacerse cargo de ella para mirar mejor el pasado y cuidar mejor el presente”. Carlos González, en la piel de una historiador en la actualidad en 'La bola negra' Además, considera que hace años, “sería impensable producir este tipo de película, con dos directores gais, un elenco gay, hablando de la historia, desenterrando la verdad absoluta, porque incomoda. Pero para eso están el cine, la cultura, el arte”. El poder de “conexión” de los Javis El primer visionado de La bola negra en el Festival de Cannes el pasado mes de mayo culminó con una ovación de veinte minutos. También ha sido aplaudida en Toronto, y este domingo en San Sebastián. Una emoción que el reparto considera ya “universal” y en la que valoran que su conexión con Federico García Lorca ha tenido mucho que ver. “Siempre es un buen momento para reivindicarle”, apunta Milo Quifes. Los Javis te hacen salir del cine haciéndote las preguntas correctas, porque no te dan ningún sermón de ningún tipo, pero te rompen el corazón Penélope Cruz — Actriz El poeta influyó a Guitarricadelafuente para componer la canción La Nieve , que forma parte de la banda sonora de la película, y con la que podrá aspirar al Oscar . “Mucha de su poesía representaba el final de un camino, el llegar a la muerte, pero como un algo un poco más abstracto. Me parecía bonito ver cómo la canción aparecía en la película en el momento en el que los tres personajes, al ver que todo está a punto de acabar, empiezan a ser libres. Y toman esa decisión de no dejar nada atrás y hacer lo que les dicta el corazón”. Lorca, el valor de la identidad y la libertad, la casi obligación de vivir sabiendo que muchos no pudieron hacerlo, y lo que supuso la Guerra Civil están llamados a recorrer el mundo de la mano de La bola negra , llegando a todas las edades. Penélope Cruz tiene claro que así va a ser, por la capacidad que tienen los Javis de “hacerte salir del cine haciéndote las preguntas correctas, porque no te dan ningún sermón de ningún tipo, pero te rompen el corazón. Colocan las cosas en su sitio desde un lugar de respeto total, pero te zarandean el alma”.
elDiario.es•Laura García Higueras20 sept
La película de Benjamín Naishtat se presentó hoy en el certamen de cine
También lo hicieron Alejandra Flechner y Carolina Álvarez; día antes, Lali Espósito lució una remera con la misma consigna
San Sebastián. La premier mundial de "Morro" , del cineasta mexicano Rodrigo García Sáiz, en el Festival de San Sebastián tuvo un momento especialmente emotivo. La película, pequeña e íntima, sigue a Mateo, un veterinario en duelo por la muerte de su hijo, cuya soledad se ve interrumpida por Morro, el perro de un narcotraficante. La historia encontró en el público una respuesta que conmovió profundamente a su director. Al terminar la función, una espectadora se acercó a García Sáiz para decirle que había sentido la película “como una cajita, un regalo que él sacaba del corazón y se la daba”. La imagen se le quedó grabada. “Me conmovió porque así me sentí yo en el rodaje”, recordó Rodrigo horas después, sentado en uno de los salones del Hotel María Cristina. Una de las razones que lo llevaron a hacer Morro fue una pregunta que atraviesa toda la película: ¿cómo encontrar un poco de esperanza dentro de una sociedad lastimada por el dolor y la violencia? La historia transcurre en un México donde el narcotráfico resulta imposible de ignorar, pero el director tomó desde el principio una decisión: no convertirlo en el centro del relato. “El foco no está en la violencia, sino en lo que sobrevive a ella, es ese polvo que queda después del momento de destrucción”, explicó. Su interés estaba en mirar a quienes permanecen cuando el horror los ha alcanzado. “Me quise concentrar más en los personajes, en los seres humanos que salen adelante pese a todo”. En esa elección también hay una postura frente a la manera en que México ha sido representado tantas veces en el cine. No se trata de negar una realidad que conoce y le preocupa, sino de recordar que el país tampoco puede reducirse a ella. “Somos mucho más que la violencia en México”, afirmó. “Somos esas personas que se levantan todos los días y que, a pesar de esos dolores tan profundos, eligen seguir creyendo en la ternura, en estos vínculos inesperados”. Eso representa Morro, el perro que entra en la vida de Mateo y le plantea una contradicción: debe cuidar al animal de un hombre que pertenece al universo que ha contribuido a destruir el suyo. Sin embargo, en lugar de utilizar ese encuentro para alimentar el resentimiento, la película lo convierte en la posibilidad de elegir algo distinto . “Mateo, de cierta manera, soy yo, que elige la ternura y el cuidado más que la venganza”, reconoció el director. “Yo quiero ver un futuro más luminoso, más verde, donde también los animales nos enseñen”. La relación entre el hombre y el perro termina siendo mucho más que un mecanismo narrativo. Para el cineasta, los animales conservan una forma de relacionarse con el mundo que los seres humanos parecemos haber ido perdiendo: no juzgan, establecen vínculos directos y obligan a regresar a una forma elemental de contacto. “Nosotros cada vez estamos más solos, más violentos”, señaló. Y aunque la historia nace en México, su reflexión no termina allí. “Traté de hacer una historia muy pequeña, pero que al mismo tiempo es muy universal ”, dijo al referirse a una violencia que reconoce hoy en distintas partes del mundo. Volver al origen Para escribirla decidió abandonar la distancia. Viajó a Culiacán y se internó en zonas marcadas por el conflicto, donde conoció a personas que terminaron modificando su mirada y también el guion. “Conocí muchos Mateos, conocí muchos Ponchos, conocí muchas Isabeles”, recordó. Más que acumular datos, buscaba otra cosa: “Me fui a meter a las zonas de conflicto, a hacer una recopilación no tanto de información, sino humana ”. Allí observó la normalización de la violencia , la desesperanza entre los jóvenes y, al mismo tiempo, esa extraña capacidad de continuar con la vida incluso cuando todo parece haberse roto alrededor. La experiencia también lo llevó a reconocer la distancia desde la que se observa el problema en otras partes del país. “Yo crecí en la Ciudad de México , afortunadamente no crecí en una zona de conflicto grave. Y la lejanía que mantenemos también nos hace parte del problema porque lo normalizamos”, admitió. Para encarnar a Mateo pensó desde el comienzo en Gustavo Sánchez Parra. Ni siquiera lo conocía personalmente cuando escribió la película, pero “desde el primer momento me vino su cara a la mente”, contó. El personaje se construyó sobre conversaciones acerca de la soledad, la empatía y la relación entre seres humanos y animales. Y entonces llegó el otro protagonista: Morro. El perro no estaba entrenado para actuar, una decisión que convirtió el rodaje en un ejercicio de paciencia e incertidumbre. Si quería echarse a dormir, la película debía aceptar que era la hora de su siesta. “El perro iba a ser perro”, resumió el director. En una producción independiente rodada con recursos limitados , aquello podía parecer una locura. Sin embargo, ocurrió lo contrario. “El dios del cine nos ayudó y se dieron las cosas de manera muy genuina”. Morro es su segunda película y la primera que también escribe. Después de la experiencia de Lluvia, una producción coral mucho más compleja, sintió la necesidad de regresar a una forma de filmar más cercana a aquello que le interesaba desde el principio. “Volví a mis raíces”, explicó. “Sentí que había vuelto al CUEC , a los principios básicos, a volver a entender el cine como algo que se hace en equipo, con hermandad, de creer en un proyecto que no sabemos a dónde nos va a llevar”. Quizá por eso habla de San Sebastián sin detenerse demasiado en lo que pueda ocurrir después. “Simplemente ya estar aquí es un regalo”, dijo. Lo que realmente le preocupa está fuera de las salas de cine: que la violencia termine formando parte del paisaje hasta d ejar de conmovernos . “Nos hemos vuelto muy poco empáticos”, reflexionó. “Los teléfonos también nos han ensimismado mucho; a pesar de que cada vez estamos más pegados porque hay menos espacio, estamos más lejos”. Y volvió al mismo lugar desde el que parece haber nacido Morro: la necesidad de recuperar aquello que considera esencial antes de que la costumbre termine por arrebatárnoslo. “Nos comunicamos muy poco viéndonos a los ojos y olvidamos los valores más importantes de la vida, que son eso: la ternura, el contacto, el amor ”. En una película atravesada por la violencia, Morro apuesta por lo contrario. No por ignorar el dolor ni por ofrecer una salida fácil, sino por preguntarse si todavía somos capaces de elegir el cuidado cuando todo parece empujarnos hacia otro lado . También te puede interesar: "Detrás del telón": la salud mental de los actores llega a la ficción La actriz mexicana Adriana Paz busca nuevos retos tras “Emilia Pérez”: “A pesar de todo hay que seguir picando piedra” De los hoyos al algoritmo, así ha sobrevivido el rock mexicano Únete a nuestro canal ¡EL UNIVERSAL ya está en Whatsapp!, desde tu dispositivo móvil entérate de las noticias más relevantes del día, artículos de opinión, entretenimiento, tendencias y más.
Más allá de Chanel, la artista ha brillado en la segunda noche del festival, con el vestido negro más femenino (y zapatos de tacón a la altura).
San Sebastián, 19 sep (EFE).- Al cineasta vasco Nitya López Saitua le marcó tan profundamente la separación de sus padres cuando él era un niño de 3 años que en su ópera prima, 'Simulacro', que se estrena este sábado en el Festival de San Sebastián, ha recreado esa ruptura para "deshacer un nudo" que le estaba suponiendo "un coste" en su vida adulta. Para ello, ha contado con Miguel Garcés e Iraia Elías, a los que la cámara graba siguiendo las indicaciones del director para que se pongan en determinadas situaciones de la pareja, de Leire y Jesús, en un proceso de creación de personajes en directo, de actores que no han tenido un texto que memorizar y que improvisan sobre lo que pudo ser esa relación, desde el inicio hasta la ruptura. La implicación de López Saitua (Ibarrangelu-Bizkaia, 1996) va creciendo y la historia discurre hasta que la realidad, o los recuerdos de una realidad, se conectan también con la ficción y el director acaba siendo un personaje más de este 'Simulacro'. "Lo que hago es reaccionar a lo que a lo que está ocurriendo. Tampoco fue una sorpresa para mí. De hecho, lo que de verdad me interesaba de la propuesta, y lo que creía que tenía una fuerza cinematográfica muy grande, era el hecho de que yo, que arranco como director en esta historia, inevitablemente también soy el hijo", explica el cineasta en una entrevista con EFE. López Saitua, que estrena su película en la sección Zinemira del certamen donostiarra y que ha trabajado en el equipo de dirección de películas como 'Ane', de David Pérez Sañudo, 'El buen patrón', de Fernando León de Aranoa, y 'Maixabel', de Iciar Bollaín, ha dirigido cuatro cortometrajes en los que, "sin pretenderlo", abordó relaciones de pareja. "Con el tiempo, y tras hablarlo con amigos, me di cuenta de que ahí yo tenía algo atascado con ese tema. Y entonces se me ocurrió recrear durante tres días diferentes momentos de la relación de pareja de mis padres que yo no recordaba. Me pareció una idea profundamente cinematográfica y, a raíz de eso, encontré una forma de relacionarme también con mi dolor", relata. Está satisfecho con el resultado, pero no únicamente porque el proceso haya sido reparador desde el punto de vista personal, sino también porque "funciona como película". "Si únicamente el objetivo hubiese sido hacer algo sanador, no habría necesitado necesariamente volcarlo en una película", apostilla. Tras su estreno en San Sebastián, el plan es presentarla en otros festivales. "Es una película pequeña. Lo que necesita es que vaya haciendo cierto nombre para que cuando se estrene en salas, creemos que en la segunda mitad de 2027, la gente haya oído hablar de ella y tenga ganas de ir a verla", remarca. EFE
La cita a favor de Unicef se celebrará el próximo 25 de septiembre, en el marco de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, reunirá alta gastronomía, cultura y compromiso social en el hotel
La Vanguardia•Autor Generico19 sept
Penélope Cruz, Seth Rogen y Edward Norton protagonizan 'La invitación', el remake de 'Sentimental' dirigido por Olivia Wilde en San Sebastián.
La cantante colombiana Shakira comienza este viernes su tan esperada residencia en Madrid para poner fin a su gira internacional 'Las Mujeres Ya No Lloran' . Así, la 'ciudad Shakira' se ha teñido de los colores de Colombia y ha dejado desplegar sus faldas con monedas para darle la bienvenida. Es ese grito: "Las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan", el que más ha sonado en la fila previa a la apertura del recinto, esa 'ciudad Shakira' construida en el Iberdrola Music, el Macondo Park, con más de 40 hectáreas de recinto. Varios miles de personas se concentraron a las puertas de este espacio horas antes del concierto a esperar la apertura de sus puertas. El público accedió al recinto más tarde de lo previsto y en la fila destacó la indignación a gritos de "abran la puerta", "queremos entrar" y "esto es una estafa". Cuando al fin se produjo la apertura, ésta se celebró con vítores y bailes. Lee también Festival de San Sebastián arranca con homenaje al director alemán Werner Herzog, quien recibe el Premio Donostia Desde sombreros con la bandera de Colombia hasta pelucas moradas en honor al videoclip de la famosa canción "Las de la intuición", la emoción reinó entre el público expectante, especialmente entre aquellos que, como Omaira, de 59 años, provienen del mismo país que la artista. "Ella es una loba. Estoy muy emocionada de ver todo lo que ha podido construir después de toda su historia, de todo lo que le pasó. Por un lado, me alegro de que aquello sucediera, porque volvimos a tenerla después de perderla por diez años, y con esto, al fin, la volvimos a recuperar", declaró a EFE. Para Omaira, ver a su artista favorita en dos fechas (hoy con sus amigas y dentro de dos semanas de nuevo con sus hijas) es "un orgullo enorme", especialmente por la cantidad de cultura colombiana que la artista trae a la ciudad. Lee también Preparan homenaje para Hayden Panettiere tras su fallecimiento "Poder ver el carnaval de Barranquilla es como tener un poquito de nuestra tierra aquí. Para mí, es un orgullo enorme. El Atlántico no nos separa, sino que nos une como latinos", destacó. Lorena, de 29 años, vino a este primer concierto de la mano de sus amigas. Ella reside en la isla de Ibiza (Mediterráneo), llegó a España desde Venezuela hace tres años, y admite que Madrid siempre le ha dado la bienvenida. "Madrid es la casa de los latinos. A mí me ha abrazado desde el momento en que llegué a España. España es el epicentro para los latinos, todo el mundo quiere conocer la bonita Madrid", contó. Para ella, como mujer latina, Shakira "es un ejemplo a seguir, una mujer de fortaleza y que te dice que el que persevera alcanza y la lucha es vencer siempre". Lee también Karol G buscará a Cazzu para una colaboración: "Me conecté mucho con ella" Ada, de 40 años, también de origen latino, coincide con Lorena: "Shakira pasó de la humildad al éxito, del éxito a tener una pareja, una familia estable; luego a que se rompiera esa familia, al desamor, al despecho, y ahora ha vuelto a renacer de las cenizas. Es espectacular, es un ejemplo a seguir para todas las mujeres de todas las edades". La música de Shakira se transmite, de hecho, de generación en generación. Sonia viene desde Valencia (este de España) con su hija Daniela y este es su primer concierto con su hija: "Compartimos muchas canciones de Shakira, que es algo en lo que solemos discrepar con otros artistas, pero con ella estamos muy unidas". Las múltiples actividades que suceden en las distintas carpas de este recinto entusiasmaron a sus asistentes, antes de que comenzara el concierto. Lee también ¿Terror o fantasía? "Resident Evil: Noche Cero" y "La isla olvidada", los estrenos para este fin de semana Fabiola, de 13 años, no solo está emocionada por ver a su artista favorita, sino también por probar la comida colombiana que se ofrece dentro del recinto. Este entusiasmo también lo comparte Malice, que, con 29 años, viajó desde Viena para ver a Shakira con sus amigas. "Hemos estado antes en Colombia, así que estamos muy emocionadas por la comida. Creo que es genial que Shakira tome su fama para apoyar a comercios más pequeños y dar a conocer su cultura", comentó. La cantante colombiana actuará durante doce noches en Madrid: además de la de este viernes, las del 19, 20, 25, 26 y 27 de septiembre y las del 2, 3, 4, 9, 10 y 11 de octubre. Únete a nuestro canal ¡EL UNIVERSAL ya está en Whatsapp!, desde tu dispositivo móvil entérate de las noticias más relevantes del día, artículos de opinión, entretenimiento, tendencias y más.
“A veces tocar fondo es lo que te despierta”. Con este mensaje, el actor Frankie Muniz , protagonista de “Malcolm el de en medio” , hizo público que atraviesa una etapa complicada en su vida, la cual lo llevó a reflexionar sobre sí mismo y a buscar convertirse en una mejor versión. El post fue publicado en su cuenta de Instagram, donde, sin dar detalles sobre las situaciones que lo llevaron hasta ese punto, mencionó que las últimas seis semanas han sido una pesadilla de la que ha estado esperando despertar: “Todo se sentía pesado, poco claro, y como si se estuviera cayendo a pedazos al mismo tiempo. No le desearía esta temporada a nadie”, escribió. Muniz también señaló que, afortunadamente, este tiempo le permitió identificar las áreas de su vida que necesitan más trabajo y reconocer que no estaba mostrando su versión pulida al mundo. Lee también Festival de San Sebastián arranca con homenaje al director alemán Werner Herzog, quien recibe el Premio Donostia “En cinco años creo que miraré hacia atrás en este punto bajo exacto y me sentiré agradecido por ello, porque el alto en el que estaré de pie sólo existe porque pasé por esto”. Además, animó a sus seguidores a “seguir” en caso de que estuvieran pasando por una situación similar. La publicación generó preocupación entre algunos de sus seguidores, pero también recibió mensajes de ánimo. Muniz, de 40 años, quien recientemente retomó su papel como Malcolm en la miniserie “Malcolm in the Middle: Life’s Still Unfair”, anunció en julio la separación de su esposa Paige Price luego de 10 años juntos. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Frankie Muniz (@frankiemuniz4) Lee también Preparan homenaje para Hayden Panettiere tras su fallecimiento La pareja se casó en febrero de 2020 en Phoenix, Arizona, y dio la bienvenida a su hijo Mauz. “Compartimos un hijo increíble que sigue siendo el centro de nuestro mundo, y ambos somos padres más felices y fuertes gracias al amor y al crecimiento que hemos compartido”, se leyó en el comunicado del divorcio. Asimismo, declararon que mantienen una fuerte amistad. Únete a nuestro canal ¡EL UNIVERSAL ya está en Whatsapp!, desde tu dispositivo móvil entérate de las noticias más relevantes del día, artículos de opinión, entretenimiento, tendencias y más.
Una pequeña mano entre las de sus padres y un anillo con la palabra “MOM” (mamá) fueron parte de la tierna fotografía con la que la actriz Millie Bobby Brown y su esposo Jake Bongiovi presentaron al nuevo integrante de su familia. La postal, compartida en el Instagram de la protagonista de “Stranger Things”, fue publicada momentos después de que la pareja diera pistas de que estaba iniciando un nuevo capítulo en su vida mediante la adopción. Lee también Festival de San Sebastián arranca con homenaje al director alemán Werner Herzog, quien recibe el Premio Donostia Millie, además, confirmó que su segundo bebé es un niño: “Hi Little guy”, escribió la intérprete de 22 años. Hasta el momento se desconoce el nombre del pequeño y la fecha en la que se integró a la familia. El 7 de septiembre Brown compartió videos de unas vacaciones familiares en los que se le podía observar cargando a su hija y a Jake, de espaldas, con un portabebés La pareja adoptó por primera vez a una niña en 2025, después de que celebraran su boda en una lujosa propiedad ubicada en Italia, y desde entonces han mantenido los detalles al respecto en privado. Lee también Millie Bobby Brown, actriz de "Stranger Things", y Jake Bongiovi, amplían su familia con la adopción de su segundo bebé Brown siempre había tenido el deseo de adoptar, incluso desde pequeña, según reveló en un podcast en 2026 con Kylie Kelce. Por supuesto, fue un tema que conversó junto a su esposo antes de convertirse en padres. La pareja se conoció en 2021 y en abril de 2023 anunció que llegaría al altar. Un año más tarde, logró llevar a cabo la ceremonia. Únete a nuestro canal ¡EL UNIVERSAL ya está en Whatsapp!, desde tu dispositivo móvil entérate de las noticias más relevantes del día, artículos de opinión, entretenimiento, tendencias y más.
El Festival de Cine de San Sebastián reconoció este viernes con el Premio Donostia la extensa trayectoria del alemán Werner Herzog , cineasta de los extremos que recorrió el planeta en busca de imágenes inéditas y de una "verdad profunda". Entregándole su máxima distinción honorífica, el Festival rindió homenaje a sus más de seis décadas de carrera, con más de 70 filmes centrados en temas como la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana. Figura destacada del nuevo cine alemán junto a Volker Schlöndorff y Wim Wenders, sus películas se caracterizan por personajes, a menudo soñadores, que se enfrentan a desafíos como la soledad y profundos anhelos. Lee también Salma Hayek revela cómo fue trabajar con Angelina Jolie en "Without Blood": "Es una de mis mejores amigas" Es el caso del activista ecologista Timothy Treadwell, que murió a manos de los osos a los que quería proteger en Alaska y cuya historia contó Herzog en su documental "Grizzly man" (2005). Además, ha sido director de escena de óperas en Bayreuth y La Scala de Milán, entre otros, y ha actuado en películas como "Jack Reacher" o la serie "The Mandalorian" . Su infatigable ímpetu lo llevó a rodar en lugares tan recónditos como la selva peruana ("Aguirre, la cólera de Dios", 1972), volcanes ("La Soufrière", 1977), los desiertos australianos ("Donde sueñan las verdes hormigas", 1984), el Himalaya ("Gasherbrum, la montaña radiante", 1984), la Antártida ("Encuentros en el fin del mundo", nominado en los Óscar en 2007) o la selva de Angola ("Ghost elephants", 2025). Lee también Christian Ramos: del deporte de alto rendimiento a un nuevo reto actoral en TV Le entregó el premio Donostia el actor Orlando Bloom , que participa en su última cinta, "Bucking Fastard", programada en esta 74ª edición del certamen y que, según su creador, escribió "en cinco días". Al recibir el galardón, Herzog afirmó sentirse "orgulloso" de ser laureado en el País Vasco, "un país de poesía, un país de poetas". "Yo recibo esto aquí de los poetas", afirmó, provocando una gran ovación del público. "Bucking fastard" cuenta la historia de dos personas que tratan de hacerse un hueco en una sociedad que deja poco espacio a los que son diferentes: las hermanas Jean y Joan Holbrooke. Interpretadas por las hermanas Rooney y Kate Mara, se visten igual, se mueven de forma idéntica, hablan al unísono e incluso se enamoran del mismo hombre (Orlando Bloom). Lee también Karol G buscará a Cazzu para una colaboración: "Me conecté mucho con ella" El propio Bloom reconoció este viernes que trabajar con Herzog es "un gran regalo" y destacó su filme "se siente como un poema", con unos personajes "que no se deben juzgar, que simplemente viven el mundo". Mirando al futuro El excéntrico director de 84 años, distinguido el año pasado en la Mostra de Venecia con el León de Oro a la trayectoria, aseguró este viernes que no quiere "mirar atrás". "Estoy muy centrado en lo que tengo que hacer ahora", señaló en rueda de prensa, al tiempo que negó ser "un adicto al trabajo" ni tampoco un "obseso". "Si tienes a un director obsesivo haciendo películas, todos los actores saldrán corriendo, los productores saldrán corriendo, el dinero saldrá corriendo y tú mismo tendrás que huir de ti mismo si eres obsesivo. Yo no lo soy", recalcó. Kristina Jaspers, comisaria en la cineteca alemana Deutsche Kinemathek, dijo a la AFP que "estos premios honran una obra que está lejos de haber concluido". Lee también Brad Pitt regresará como Gerry Lane en la secuela de “World War Z” "Herzog sigue extraordinariamente activo, y hasta sus producciones más recientes continúan reflejando su extraordinaria curiosidad y su deseo de explorar nuevos temas y nuevas formas", agregó Jaspers, quien destacó el "orgullo" que supone para la Deutsche Kinemathek albergar la colección del cineasta. A menudo, sus historias se enfocan en los marginados, como "El enigma Kaspar Hauser", en el que retrató a un analfabeto que apenas sabía hablar al que conoció en Núremberg y que le valió el Gran Premio de Cannes en 1975. En busca de una "verdad profunda" En sus filmes, Werner Herzog crea imágenes para llegar a una verdad más profunda, tomándose a veces libertades respecto a los hechos, lo que se ha denominado "verdad extática". Lee también ¿Terror o fantasía? "Resident Evil: Noche Cero" y "La isla olvidada", los estrenos para este fin de semana "Este concepto de 'verdad extática' significa mostrar algo que es invisible. Y [...] algo puro, emociones profundas o algo metafísico" para "hacer visible algo que no es visible, poniendo cosas en escena", explicó Kristina Jaspers. El propio Herzog alude a este método en su documental "Nómada: Tras los pasos de Bruce Chatwin", en el que sigue los pasos del escritor británico. "Bruce modificaba hechos pero de una manera que hacía que se parecieran más a la realidad", comenta Herzog, comparando el trabajo de Chatwin con el suyo. El director se ha vuelto una inspiración para muchos jóvenes cineastas, señala la Deutsche Kinemathek, que enfatiza que Herzog "no es un monolito", sino "un defensor activo de una nueva generación de artistas y directores". 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El Festival de San Sebastián ha inaugurado este viernes su 74 edición con una gala marcada por el cariño a José Luis Rebordinos, que afronta su última edición al frente del certamen, y por un alegato en defensa de la libertad o la memoria y en la que se ha pedido el fin de los "genocidios", con una mención especial a Gaza y un mensaje de solidaridad con los cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, "amenazados por el gobierno israelí". "Nos sumamos a las muchas voces que piden poner fin a los genocidios, en Gaza continúa uno, a las rupturas unilaterales de las reglas del orden internacional, a los saqueos colonialistas, a la violencia machista, a las guerras crueles que violan sistemáticamente los derechos humanos", han señalado las presentadoras de la gala Fariba Sheikhan y Mariona Terés. Uno de los momentos centrales de la gala ha sido la entrega del Premio Donostia al cineasta alemán Werner Herzog, que ha recibido el galardón de manos del actor Orlando Bloom, con quien ha presentado este viernes su nueva película 'Bucking Fastard'. Bloom ha definido a Herzog como uno de los cineastas que "te hacen ver el mundo de otra manera" y ha destacado su "increíble curiosidad", así como su capacidad para explorar "lo extremo de la naturaleza, los extraños recovecos del comportamiento humano o los límites entre la realidad y la ficción". "Werner siempre ha concebido el cine como una aventura", ha señalado el actor, que ha destacado que detrás de sus obras existe "una pregunta genuina" y una necesidad de comprender aquello que después muestra al público. Herzog ha agradecido el galardón y, especialmente, que se lo haya entregado Bloom, al que ha definido como "una leyenda viviente" y "un tesoro del cine". El director ha aprovechado su intervención para reivindicar su vínculo con el País Vasco, que se remonta a su película 'Aguirre, la cólera de Dios' (1972), y ha recordado un viaje que realizó a pie a través de los Pirineos. "Estoy orgulloso de poder estar aquí, con su cultura y con la lengua que tienen, que es increíble y que es anterior a todas las lenguas de Europa. Vosotros llegasteis aquí decenas de millares de años antes de que los indoeuropeos empezasen a adentrarse en Europa. Fuisteis los primeros", ha afirmado. El cineasta también ha hablado de su fascinación por la cultura vasca y por los bertsolaris, a los que ha descrito como integrantes de un "pueblo de poesía". "Yo los veo y no sé de qué están hablando, pero sí que siento que hay una comunidad y me siento parte de ella. Se trata de un país, de un pueblo de poesía. Y yo recibo este galardón de los poetas", ha celebrado. "REBOR, TE QUEREMOS" Las muestras de cariño y reconocimiento por el trabajo realizado por José Luis Rebordinos ha sido recurrente durante la gala, que ha durado alrededor de una hora y que ha estado presentado por las actrices Fariba Sheikhan y Mariona Terés. Uno de los momentos más emotivos ha sido cuando ha aparecido en el escenario la actriz Cayetana Guillén-Cuervo, quien ha decidido saltarse el guión y el protocolo, como ella misma ha confesado, para agradecer a Rebordinos su "actitud, bonhomía calidad humana" que han trascendido a lo profesional. "Rebor, te queremos. Gracias", ha proclamado ante los aplausos del público y ante un José Luis Rebordinos que se le ha podido ver visiblemente emocionado. El reconocimiento al director del Festival también ha aparecido en el discurso de la entrega del Gran Premio Fipresci 2026, que ha ido a parar a la película 'Una batalla tras otra', de Paul Thomas Anderson. El galardón ha sido recogido por el vicepresidente de Warner España, Carlos Prada. "Tu contribución ha sido fundamental para que este Festival Internacional de Cine de San Sebastián sea, no sólo uno de los grandes festivales de cine, sino también una referencia cultural reconocida y respetada en todo el mundo", ha afirmado. Durante la gala se ha dedicado un 'in memoriam' a personalidades relacionadas con el cine que han fallecido en el último año. El Festival ha dedicado la gala de inauguración a la memoria de Agustina Chiarino, Ignasi Camós, José Antonio Félez, José Luis Cienfuegos y Jeremy Thomas. LIBERTAD E IGUALDAD Asimismo, en la gala se ha reivindicado el papel del cine como espacio para defender "la igualdad, la diversidad y la libertad". "Un festival de cine no solo es la oportunidad de mostrar grandes películas al mundo. Un festival también es uno para defender los valores de la forma de vivir, la igualdad, la diversidad y la libertad, que deberían ser siempre las grandes protagonistas", se ha señalado Mariona Terés. En este sentido, ambas presentadoras han recordado las amenazas que han sufrido por parte del gobierno israelí los cineastas Yuval Abraham y Rachel Szor, creadores del documental 'Naza', que participa en la sección Perlak, quienes están "amenazados por el Gobierno israelí". "Nos solidarizamos con ellos", ha indicado Fariba Sheikhan, que ha citado una frase del poeta iraní Rumi. "No digas que todos están en guerra, (no digas) que puede aportar mi paz. Tú no eres uno, eres miles. Enciende tu propia luz", ha subrayado. Posteriormente, la comisionada para la celebración de los 50 años de España en Libertad, Carmina Gustrán, ha defendido la libertad de expresión y la capacidad del cine para abordar cuestiones incómodas, recuperar la memoria y cuestionar los relatos establecidos. "El cine muestra, desvela, sorprende, asusta, conmueve, mueve. Por eso es tan peligroso", se ha reivindicado. "¿Por qué el franquismo quiso hacer desaparecer Canciones para después de una guerra', de Basilio Martín Patino? ¿Por qué Trump intentó frenar la distribución de 'The Apprentice'? ¿Por qué Irán encarcela a Jafar Panahi? ¿Por qué Milei desmantela el cine argentino? ¿Por qué Israel amenaza con retirar la nacionalidad a los directores de Naza?", se ha cuestionado. También ha destacado el trabajo para localizar los cuerpos de las personas cuyos familiares continúan reclamando su recuperación en Cuelgamuros y el ciclo 'Jóvenes, Cine, Memoria y Democracia', organizado con motivo de los 50 años de libertad y democracia en España. "No basta con recuperar. Decía Lorca, hay que recordar hacia mañana", ha señalado Gustrán. Por último, se ha presentado al jurado de la Sección Oficial, presidido por el cineasta estadounidense Ira Sachs e integrado por Kenji Kawamura, Catherine Paillé, Alice Braga, Patricia López Arnaiz, Bill Skarsgard y Mike Goodridge. En su intervención, Sachs ha destacado especialmente el momento que atraviesa el cine español y la "energía" y el "sentido de comunidad" que ha encontrado entre sus cineastas. El director ha asegurado que la prueba de ello es "la calidad de las películas españolas que se han presentado este año en Cannes y en las salas de cine del mundo". "Asistimos al renacimiento de un cine español genuinamente local, caracterizado por obras audaces y profundamente personales", ha destacado Sachs, que ha considerado "inusual" este fenómeno en Estados Unidos. "Desde luego no se ve ni en Nueva York ni en ningún lugar de Estados Unidos", ha criticado antes de defender que "no se puede separar el cine español del Festival", cuyas historias considera "unidas y entrelazadas".
San Sebastián (España), 18 sep (EFE).- El veterano director alemán Werner Herzog ha protagonizado este viernes la gala inaugural del 74 Festival de Cine de San Sebastián, en una ceremonia en la que se ha clamado contra los poderosos que quieren cercenar el cine disidente y quienes buscan imponer el miedo frente a la libertad de expresión. Las presentadoras de la ceremonia, las actrices Fariba Sheikhan y Mariona Terés, también lo han hecho para enviar un mensaje de apoyo a los dos directores de la película 'Naza', los israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, "amenazados por el Gobierno de Israel" por denunciar en su documental la matanza de civiles palestinos. El público que llenaba el Kursaal ha visto en la gran pantalla del auditorio una sucesión de imágenes de la prolífica carrera de Herzog, de 'Signos de vida' (1968) a títulos tan emblemáticos como 'Nosferatu, vampiro de la noche' (1979), 'Fitzcarraldo' (1982) y 'Grizzly Man' (2005). También de 'Aguirre, la cólera de Dios' (1972), que él ha recordado para iniciar un discurso que ha sido todo un homenaje al pueblo vasco, del que ha ensalzado su lengua, "la más antigua de Europa". Tanto le fascina que sigue por Youtube los campeonatos de bertsolaris, los improvisadores de versos en euskera. "No sé de qué están hablando, pero es como si yo perteneciera a esa comunidad, a un pueblo de poetas del que yo recibo ahora este galardón", ha remarcado este cineasta al que el público ha aplaudido puesto en pie. Orlando Bloom, el protagonista de su última película, 'Bucking Fastard', ha sido el encargado de entregarle este premio honorífico. "Trabajar con él es una experiencia inigualable. No deja de perseguir una idea sin importarle a dónde le llevará. Es un artista verdaderamente excepcional, una voz inconfundible y una verdadera fuerza de la naturaleza", ha destacado el actor británico del realizador germano, que el pasado 5 de septiembre cumplió 84 años. El ministro español para la Transformación Digital y de la Función Pública, Óscar López, y el de Cultura, Ernest Urtasun, sentados junto al alcalde donostiarra, Jon Insausti, y otras autoridades de Euskadi, han acudido a la gala, que ha terminado con la presentación del jurado que decidirá el palmarés de esta edición Lo preside el director, guionista y productor Ira Sachs y lo integran también Alice Braga (actriz y productora), Genki Kawamura (director, escritor y productor), Bill Skarsgård (actor y productor), Mike Goodridge (productor), Catherine Paillé (guionista) y la intérprete española Patricia López Arnaiz. Además del Donostia, también se ha entregado el Gran Premio Fipresci a la mejor película del año a 'Una batalla tras otra', el filme de Paul Thomas Anderson protagonizado por Leonardo DiCaprio, un reconocimiento de la crítica internacional que recae por cuarta vez en el director estadounidense, que ya lo consiguió con 'Magnolia' (1999), 'Pozos de ambición' (2007) y 'El hilo invisible' (2018). Ha recogido esta distinción Carlos Prada, vicepresidente de Warner España, quien ha agradecido al director del Zinemaldia, José Luis Rebordinos, su "apoyo, dedicación y el extraordinario trabajo que ha realizado en estos años". La actriz española Cayetana Guillén Cuervo se ha saltado el protocolo en su intervención para presentar una de las secciones del Festival para aplaudir también la "bonhomía y calidad humana" de Rebordinos, "que ha trascendido todo lo profesional". En diciembre dejará su cargo y será relevado por Maialen Beloki. "Solo han pasado 74 ediciones para que el Festival de San Sebastián sea dirigido por una mujer", han ironizado las presentadoras de la ceremonia. EFE (foto)
El actor de 'Élite' y 'La casa de papel' presenta su ópera prima, 'El mal hijo' en el Festival de San Sebastián dentro de la sección 'Nuevos Directores' Todo sobre el Festival de San Sebastián - Werner Herzog recibe su Premio Donostia y da un consejo a los jóvenes: “No viváis una vida dictada por algoritmos” Sobrevivir siendo adolescente a un fenómeno masivo debe ser complicado. Hacerlo dos veces, casi imposible. Jaime Lorente vio cómo en un par de años su vida cambiaba radicalmente al protagonizar dos de los éxitos internacionales más gordos del audiovisual español: Élite y La casa de papel. Desde entonces ha ido buscando su lugar como intérprete, pero había algo dentro de él que latía, y era una pulsión por contar las historias desde otro lado, desde detrás de la cámara. No ha sido fácil. Han sido años intentando levantar proyectos hasta que los astros se han alineado en forma de un sorprendente debut, El mal hijo , con el que ha inaugurado la sección nuevos directores del Festival de Cine de San Sebastián. Lorente ha adaptado la novela de Salvador S. Molina, pero ha continuado lo que cuenta el libro para entroncar con temas que le atraviesan, como la tierra, la violencia, la masculinidad, las adicciones, y la figura de la mujer para romper ese círculo de toxicidad. Rodada en analógico, El mal hijo sirve como carta de presentación de alguien que quiere ser más que lo que muchos vieron en él. Lo sabe y reconoce que cree que sí, que esta película romperá prejuicios hacia su figura. Los que han visto la película le dicen lo mismo, “no me la esperaba”, y sabe que en ese piropo hay parte de prejuicio. “Y lo entiendo, porque he hecho muchas cosas comerciales y esto es todo lo contrario. Pero no lo he hecho por salirme del tiesto y querer romper esos prejuicios, sino porque mi sensibilidad reside mucho más aquí. Y por eso estoy tan nervioso, porque viendo esta película la gente puede conocerme mucho más que viendo cualquier trabajo que he hecho como actor”, confiesa. Esos miedos son variados, “a hacer el ridículo, a no saber defender la película, a no estar a la altura”… los dice con naturalidad y, sí, visiblemente nervioso. En la novela había temas que quería que estuvieran en su debut. “Quería para mi ópera prima que la adicción fuese uno de los motores de la historia. No tanto el periplo de una persona adicta, sino lo que sucede alrededor de esa persona”, explica. “Detrás del 90% de los hijos que se recuperan hay una gran mujer. También quería hacerlo por la importancia que supone y ha supuesto la mujer en mi vida, y también en la vida de la sociedad para romper muchos patrones de violencia”, añade. Para él, la gran historia de su película aborda cómo su protagonista “decide escoger la herencia de su abuela en vez de la de su padre, cómo decide ver la vida desde un lugar de sensibilidad y honestidad absoluta, decide cortar ese ciclo de violencia y decide cambiar las cosas desde otro sitio”. En eso, en romper el círculo de violencia también se ve reflejado. Y lo cuenta con una transparencia brutal: “Yo he pasado un proceso vital muy complicado, de mucha oscuridad. Muchas cosas que me ahogaron y que no supe gestionar. Me comió el bicho y lo pasé realmente mal. Mi primera forma de sanar fue la violencia. Fue la destrucción. La gente, empezando por mi mujer, que me ha ayudado a salir de donde estaba, me ha ayudado a través de darme la mano en vez de pegarme. Me ha ayudado cuidándome, no machacándome”, subraya. Yo he pasado un proceso vital muy complicado, de mucha oscuridad y que no supe gestionar. Me comió el bicho y lo pasé realmente mal. Mi primera forma de sanar fue la violencia Jaime Lorente — Actor y director Lo nota como actor y como director. Y se ha dado cuenta de que “por eso normalmente las mujeres son mejores actrices que los hombres, porque han llevado la sensibilidad a cuesta a pesar de haber sufrido lo que han sufrido y siguen sufriendo”. “Nosotros hemos hecho las cosas reguleras. ¿Cómo es posible que yo la única forma que tengo de enfrentarme a una serie de acontecimientos en mi vida sea dándome de cabezazos contra la pared? También porque es lo que nos han enseñado, pero no puede ser que la forma de gestionar mis emociones fuera darme de hostias”, zanja. Para llegar a este punto, a esa sinceridad con la que aborda esas cuestiones, ha tenido que pasar por los citados fenómenos de masas que le pillaron siendo joven, y eso no hay otra forma de definirlo como “un periplo de cojones”. Uno que ha tenido varias fases. Una donde solo veía lo positivo de aquello, otra en la que solo se centraba en lo negativo, y ahora dónde es capaz de ver ambas a la vez, y usarlas para el presente. Aunque también todo ello le “delimitó un poco en lo artístico”. “Sentí que no se me iba a dar nunca el lugar para hacer cosas más autorales o de un nicho más creativo, más sensible. Por eso también esta película ha sido un poco como mi gran revolución”, opina. Susi Sánchez y Miguel Ángel Puro en 'El mal hijo' Para El mal hijo ha tomado decisiones no tan obvias para una primera película, como rodar en película. Jaime Lorente se siente “fascinado” por el celuloide. Rodar en película, el escuchar el motor de la cámara y saber que no hay infinitas posibilidades de repetir, sino que hay un material finito hizo que, además de por motivos estéticos, se decantara por el analógico. Esa limitación va con su forma de ver el cine, donde quiere “hacer lo mínimo para contar cada segundo”. No hay grandes movimientos de cámara ni exhibicionismos. Al revés. Y no tenían, “como tenía Nolan 600 kilómetros de película”, pero se ríe diciendo que para ellos la película fue su propia Odisea . Ahora se abre un futuro en el que no se va a decantar solo por una de sus dos facetas. Tiene claro que quiere seguir actuando, porque le encanta, pero la ilusión que ha sentido cada hora de rodaje no quiere perderla.
elDiario.es•Javier Zurro18 sept
La 74ª edición del certamen en el País Vasco comenzó con un premio a la trayectoria al director alemán. Hasta el sábado 26, 17 películas competirán por la Concha de Oro, el premio mayor
Lo dejamos acá, el film que reune al prestigioso actor con Diego Peretti, llegará a la plataforma de streaming el 16 de octubre
El cineasta ruso Andrei Zviagintsev ha llegado este viernes al Festival de San Sebastián para presentar 'Minotauro', su primera película desde 'Sin amor' (2017), apenas unas horas después de que el Ministerio de Justicia ruso le incluyera en su registro de "agentes extranjeros". La cinta representará a Francia en la carrera por el Óscar a mejor película internacional, tras ser premiada con el Gran Premio del Festival de Cannes 2026 e inaugurar en San Sebastián la sección Perlak. El director ha evitado nombrar expresamente al presidente ruso, Vladímir Putin, al ser preguntado por la presencia del poder político en su nueva cinta, y ha respondido con una referencia a Stalin y al fallecido opositor Alexéi Navalny. "Es mejor no llamar al diablo por su nombre", ha sentenciado en una entrevista a medios españoles. Preguntado por qué el presidente ruso no aparece mencionado por su nombre en una película en la que el poder político y la guerra están presentes, Zviagintsev ha recordado que Putin tampoco utilizó durante años el nombre de Navalny. "El presidente del que usted está hablando ahora mismo, durante muchos años, ninguna vez lo llamó por nombre. Es un hecho conocido", ha señalado. El director ha enlazado esta cuestión con una historia del cineasta y fundador de la Cinemateca de Moscú Naum Kleiman, quien contó que en su familia nunca pronunciaban el nombre de Stalin después de que sus padres fueran "metidos en un vagón una madrugada y mandados a ninguna parte". "Cuando le preguntaron a Kleiman si en su familia habían hablado algo de Stalin, él dijo que nunca se mencionó ese nombre porque no era digno de ser mencionado", ha relatado. El cineasta también ha reflexionado sobre el concepto de patriotismo, después de recordar una frase suya en una entrevista de 2018 en la que aseguraba que criticaba a Rusia precisamente porque era un patriota. Casi una década después, Zviagintsev ha matizado aquella afirmación y ha explicado que entonces se refería al "amor por la lengua, al espacio y al entorno", y no al Estado. "Cada uno entiende la palabra patriota de forma diferente", ha indicado. En 'Minotauro', un empresario de éxito ve cómo su vida comienza a desmoronarse después de descubrir que su mujer mantiene una relación con otro hombre. El poder económico y sus contactos políticos ayudan a este hombre a solventar un problema, mientras alrededor de la familia se desarrolla un contexto marcado por la guerra y la movilización. Zviagintsev ha explicado que comenzó a pensar en la película en 2017 y 2018, a partir de la idea de adaptar una película francesa de los años 60 sobre una mujer infiel. Sin embargo, los problemas para adquirir los derechos hicieron que el proyecto quedara paralizado. Después llegó la pandemia y contrajo el COVID en 2021, por lo que tuvo que permanecer durante meses en un hospital con un coma inducido. El cineasta ha relatado que en 2022, ya en Francia, el productor le propuso recuperar aquella idea y comenzar a trabajar en el guion. Fue entonces cuando la realidad de guerra y la movilización rusa terminó entrando directamente en la película. Zviagintsev ha contado que un amigo suyo, empresario al frente de una compañía de entre 3.000 y 4.000 trabajadores, fue convocado por las autoridades locales y recibió la orden de seleccionar empleados para ser enviados a combatir. "Eso de la vida real pasó directamente al guion", ha confesado el director. "EL AGENTE EXTRANJERO DE RUSIA" Poco antes de la entrevista, el Gobierno de Rusia ha incluido en su lista de "agentes extranjeros" a Andrei Zviagintsev. El Ministerio de Justicia ruso ha acusado al director de "participar en la creación de mensajes y materiales de acceso público provenientes de agentes extranjeros, así como de organizaciones incluidas en la lista de organizaciones extranjeras e internacionales cuyas actividades se consideran indeseables en Rusia". Asimismo, ha acusado a Zviagintsev de "difundir información falsa sobre decisiones y políticas adoptadas por las autoridades públicas de Rusia" y de "mantener interacción con agentes extranjeros y reside fuera de Rusia", según un comunicado publicado por la cartera para explicar su decisión.